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SDE o Sala de espera es un espacio independiente y autogestivo en Tijuana, un proyecto enfocado en la exposición de diversas prácticas de arte y cultura contemporánea, ubicada en el interior de un antiguo hospital en desuso de los 50’s en el centro de la ciudad ‘’Sala de Espera’’ ahora opera como plataforma para diversos artistas locales, nacionales e internacionales. Fundada en Mayo del 2021, SDE se encuentra bajo la dirección de Luis Alonso Sánchez (Tijuana, 1995) y Talia Pérez Gilbert (Tijuana, 1987)
Sala de Espera Social Club, es una cantina que habita en un intersticio entre Tijuana 2024 y un agujero negro, es un punto de reunión en el limbo de los objetos y las entidades, podrán hallarse cosas como una rockola tuneada, ectoplasma, lagartijas desmembradas, Trailer Trucks, pintura y parafernalia del alcohol mutante.
Sala de Espera Social Club is a cantina that exists in an interstice between Tijuana 2024 and a black hole. It’s a meeting point in the limbo of objects and entities, where you can find things like a tuned jukebox, ectoplasm, dismembered lizards, trailer trucks, paint, and mutant alcohol paraphernalia.
Carlos Iván Hernández
(Ciudad de México, 1984)https://carlosivanhernandez.com/
Artista visual interesado en las construcciones culturales que conforman un territorio, en comprender y pensar la naturaleza como lugar de conflicto.
Estudió Artes Visuales y Diseño Gráfico en Hermosillo, Sonora, y en la Ciudad de México. Cursó el programa educativo SOMA 2017, y el Programa de Fotografía Contemporánea PFC Noroeste en 2014. Su obra ha sido exhibida en numerosos lugares dentro y fuera de México.
Realizó la residencia de producción artística Transvisiones Alcobendas, en Madrid en 2015.
Obtuvo Premio de Adquisición en el Primer Concurso de Fotografía Contemporánea de México en 2012, así como en la Séptima Bienal de Artes Visuales de Sonora 2010. Becario de Jóvenes Creadores del Fonca 2014 y del Fondo Estatal para la Cultura y las Artes Pecda Sonora en 2013 y 2009. Cofundador del taller de producción de arte TAJO. Miembro del Sistema Nacional de Creadores.
Visual artist interested in the cultural constructions that make up a territory, in understanding and think about nature as a place of conflict.
He studied Visual Arts and Graphic Design in Hermosillo, Sonora, and in Mexico City. He attended the SOMA 2017 educational program, and the PFC Contemporary Photography Program Noroeste in 2014. His work has been exhibited in numerous places inside and outside of Mexico.
He completed the artistic production residency Transvisiones Alcobendas, in Madrid in 2015.
He won the Acquisition Prize in the First Contemporary Photography Contest of
Mexico in 2012, as well as at the Seventh Biennial of Visual Arts of Sonora 2010. Scholarship holder of Young Creators of Fonca 2014 and the State Fund for Culture and the Arts Pecda Sonora in 2013 and 2009. Co-founder of the TAJO art production workshop. Member of the National System of Creators.
El tiempo del Porohui
Impresión 3D, servomotor, microcontrolador y silicón
63 x 13 x 13 cm
2024
La autotomía caudal es un mecanismo de defensa que utilizan los reptiles cuando se sienten amenazados por un depredador. En este proceso, sacrifican su cola, que continúa moviéndose mientras la lagartija escapa. Recuerdo que, durante mi niñez, al jugar en el campo, me sorprendió ver cómo la cola de un Porohui (lagarto del desierto sonorense) se movía en mi mano, mostrando un color de piel similar al humano. Este juego infantil reflejaba la dinámica de depredación y la lucha entre especies.
El tiempo del Porohui es una escultura que mecaniza el movimiento que representa la resiliencia de una criatura ausente, como puesta en escena de un campo de batalla.
Caudal autotomy is a defense mechanism that reptiles use when they feel threatened by a predator. In this process, they sacrifice their tail, which continues to move as long as the lizard escapes. I remember that, during my childhood, when playing in the field, I was surprised to see how the tail of a Porohui (Sonoran desert lizard) moved in my hand, showing a pale skin color similar to human. This children’s game reflected the dynamics of predation and struggle between species.
Porohui time is a sculpture that mechanizes movement that represents the resilience of an absent creature, like staging of a battlefield.
Luis Alonso Sánchez
(Tijuana, 1995)https://www.instagram.com/alonsoxluis/
La práctica artística de Luis Alonso Sánchez investiga lo liminal en la cultura visual fronteriza. Mediante la pintura, la escultura y la instalación, el artista explora la saturación, descomposición y mutación. Desde el 2021, su trabajo curatorial desemboca en Sala de Espera, espacio independiente para arte contemporáneo en Tijuana. Licenciado en Artes Plásticas por la Universidad Autónoma de Baja California (UABC). Su trabajo se ha mostrado en galerías y museos de forma nacional e internacional.
The artistic practice of Luis Alonso Sánchez (Tijuana, 1995) investigates the liminal in border visual culture. Through painting, sculpture and installation, the artist explores saturation, decomposition and mutation. Since 2021, his curatorial work leads to Sala de Espera, an independent space for contemporary art in Tijuana. Graduate in Plastic Arts from the Autonomous University of Baja California (UABC). His work has been shown in galleries and museums nationally and internationally.
La nueva pachanga
30x39 cm
Neón y brea.
2024
La nueva pachanga forma parte de una serie de neones recuperados e intervenidos con brea fria titulada “ Woke up in my mother’s womb “, un objeto luminoso que parece brotar de las paredes de los espacios en los que se instala, Luz eléctrica, vidrio y gas crean una ilusión ectoplásmica.
En este caso Sánchez se apropia de la caricatura de un conejo recuperado de una tienda de neones del centro histórico de la CDMX que funciona como escultura/letrero luminoso de esta cantina de mala muerte.
The new pachanga is part of a series of neons recovered and intervened with cold pi titled tar “Woke up in my mother’s womb”, a luminous object that seems to sprout from the walls of the spaces in which it is installed, Electric light, glass and gas they create an ectoplasmic illusion.
In this case Sánchez appropriates the caricature of a rabbit recovered from a neon store in the historic center of Mexico City that functions as a sculpture/luminous sign for this sketchy cantina.
Let´s dance
30x30x30 cm
Bola disco.
2024
Cristian Franco Martin
Tecate B.C. México, 1980)http://marcablanca.press/cristian-franco/
Cristian Franco Martin ha trabajado desde la observación de los lenguajes y de la estética del underground y de la subcultura, pero también desde su concatenación con la cultura popular y la estructura discursiva de la Historia, la política, la publicidad y la mercadotecnia. Franco utiliza un humor ácido e insolente para desestabilizar y desmembrar los componentes de las narrativas dominantes, y para evidenciar las debilidades en la construcción del discurso, de las formas de lo cultural ya desde la alta cultura o incluso de sus contrapartes que han quedado suprimidas y subhistorizadas. Las imágenes en su trabajo, su obra performática y las metodologías de investigación que utiliza cruzan y desdibujan las líneas de separación entre verdad y ficción; esta estrategia le permite interpelar al público y desencajar como partícipe de las historias que aborda y como testigo de la incertidumbre. Los Nuevos Maevans, el Festival Doña Pancha o las grandes series de ilustraciones que abordan historias como la del famoso analista del fenómeno OVNI Billy Meier, promueven y expanden las preguntas que Franco se hace con respecto a la manera en que se construye lo cultural, la ideología, o la representación. El devenir de su obra -que va desde el dibujo, el performance, la escultura, el textil, la estampa y el texto- entrelaza disciplinas, difumina sus límites, y resulta en una imaginería desconcertante que provoca a nuestra noción de la coherencia. Cristian Franco busca accionar desde lo inesperado un enfrentamiento con lo que nos es incómodo pero también con el hallazgo y una aproximación al mundo desde otros frentes.
Cristian Franco Martin (Tecate B.C. México, 1980), vive y trabaja en Guadalajara Jal.
Realizó estudios en la escuela de Artes Visuales de la Universidad de Guadalajara (1998-2002) y en la Escuela Superior de Arte en la Habana Cuba (2000).
Cristian Franco Martin has worked from the observation of the languages and aesthetics of the underground and subculture, but also from its concatenation with popular culture and the structure discursive of History, politics, advertising and marketing. Franco uses a acidic and insolent humor to destabilize and dismember the components of the dominant narratives, and to highlight the weaknesses in the construction of the discourse, of the forms of the cultural already from high culture or even from its counterparts that have remained suppressed and subhistoricized. The images in his work, his performative work and the research methodologies it uses cross and blur the lines of separation between truth and fiction; This strategy allows him to question the public and disengage as participant in the stories it addresses and as a witness to uncertainty. The New Ones Maevans, the Doña Pancha Festival or the large series of illustrations that address Stories like that of the famous UFO analyst Billy Meier, promote and expand the questions that Franco asks himself regarding the way in which the cultural, the ideology, or the representation. The evolution of his work - which goes from drawing, performance, sculpture, textiles, prints and text - intertwine disciplines, blur its limits, and results in disconcerting imagery that challenges our notion of coherence. Cristian Franco seeks to trigger a confrontation with the unexpected from the unexpected which is uncomfortable for us but also with the discovery and an approach to the world from other fronts.
Cristian Franco Martin (Tecate B.C. Mexico, 1980), lives and works in Guadalajara Jal.
He studied at the School of Visual Arts at the University of Guadalajara (1998-2002) and at the Higher School of Art in Havana Cuba (2000).
Dispositivo alterado monumental 01
Rockola intervenida
168 x 68 x 78 x 16 cm
2024
Existe el rumor de que Hitler estuvo en México, en Casa Grande, una finca cafetalera alemana en la región del Soconusco, en Chiapas, pegada a Guatemala. La misma leyenda afirma que tras la derrota del Tercer Reich, Hitler planeaba venir a ocultarse a nuestro país. Éste es el detonador de la instalación “Adolfo en el Soconusco” del artista visual Cristian Franco. Para la conformación de la pieza el artista se internó en la zona con una máscara de látex del dictador y realizó varias actividades, entre ellas sentarse a beber con lugareños en una cantina de bambú. La pieza es una emulación de esta cantina con una rocola en el centro de la que brota música de manera permanente. Encima de la rocola descansa la máscara del dictador rasgada.
Texto por Carlos Velázquez
There is a rumor that Hitler was in Mexico, in Casa Grande, a German coffee farm in the Soconusco region, in Chiapas, next to Guatemala. The same legend states that after the defeat of the Third Reich, Hitler planned to come and hide in our country. This is the trigger for the installation “Adolfo en el Soconusco” by visual artist Cristian Franco. To create the piece, the artist entered the area with a latex mask of the dictator and carried out several activities, including sitting and drinking with locals in a bamboo canteen. The piece is an emulation of this cantina with a jukebox in the center from which music flows permanently. The torn dictator’s mask rests on top of the jukebox.
Text by Carlos Velázquez
Pilar Córdoba Longar
Ciudad de México, 1981https://www.pilarcordobalongar.com/
Egresada de la carrera de Comunicación por la Universidad Iberoamericana (2001-2005), realizó estudios en la Universidad de Sídney, Australia (2003) y School of Visual Arts de Nueva York (2006-2008). Su obra se ha presentado en México, Estados Unidos, Alemania y Japón. Entre sus muestras individuales más destacadas están Pies de plomo (Relaciones Públicas 2024), No pasar en Curiel 23 (2023) y Donde hubo fuego montañas quedan (Plomo 2019). En 2019 fue invitada por la Embajada de México en Belice a realizar la exposición Córdoba/Mathar, Prácticas Contemporáneas de Bordado y Pintura en el Instituto Mexicano de Cultura en Belice. De manera colectiva ha participado en diversas exhibiciones como Trópico de Asfalto (Croma, 2023) y Hacer algo de la nada en el Museo de Arte Carrillo Gil (2021). Fue invitada a ilustrar un capítulo de El Libro Rojo IV continuación (1980-1993) editado por el Fondo de Cultura Económica en 2015. Realizó una residencia artística en Almost Perfect, Tokio, Japón (2023) y en Pilotenkuche, Leipzig, Alemania (2015). Su práctica investiga la firmeza y suavidad del cuerpo humano en relación con vehículos en movimiento, así como sus consecuencias en el horizonte emocional y afectivo contemporáneo
Graduated in Communication from the Universidad Iberoamericana (2001-2005), she studied at the University of Sydney, Australia (2003) and the School of Visual Arts in New York (2006-2008). His work has been presented in Mexico, the United States, Germany and Japan. Among his most notable individual exhibitions are Pies de Lead (Relaciones Públicas 2024), No Pasa en Curiel 23 (2023) and Donde hay fuego Montañas Remain (Plomo 2019). In 2019 she was invited by the Mexican Embassy in Belize to hold the exhibition Córdoba/Mathar, Contemporary Practices of Embroidery and Painting at the Mexican Institute of Culture in Belize. Collectively, he has participated in various exhibitions such as Trópico de Asfalto (Croma, 2023) and Making something out of nothing at the Carrillo Gil Art Museum (2021). She was invited to illustrate a chapter of The Red Book IV continuation (1980-1993) edited by the Fondo de Cultura Económica in 2015. She completed an artistic residency in Almost Perfect, Tokyo, Japan (2023) and in Pilotenkuche, Leipzig, Germany (2015). His practice investigates the firmness and softness of the human body in relation to moving vehicles, as well as its consequences on the contemporary emotional and affective horizon.
Lot lizard 11
Impresión en póster con focos LED e instalación eléctrica, marco de aluminio
41 x 52 cms.
2024
En el submundo de las carreteras estadounidenses se conoce como lot lizards a las prostitutas que laboran en las zonas de descanso de los trailers y camiones. Los conductores pasan infinitas horas tras el volante y en sus momentos de reposo se detienen aquí para recargar energía. De niña y adolescente transité constantemente en carretera con mis padres y mi hermana en viajes recreativos, me imaginaba estos espacios como algo desolador, hostil e invisible, al mismo tiempo me parecía atractivo y sexual. Estas piezas son producto de la lectura juvenil que hice durante esa época de “sarah” (2000) de J.T. LeRoy , intrigada por la historia de las desventuras de una lot lizard y sus encuentros con los camioneros.
In the underworld of American highways, “lot lizards” is the term used for prostitutes who work in the rest areas of trailers and trucks. Drivers spend endless hours behind the wheel, and during their breaks, they stop here to recharge. As a child and teenager, I frequently traveled on the road with my parents and sister on recreational trips, and I imagined these spaces as desolate, hostile, and invisible. At the same time, they seemed attractive and sexual to me. These pieces are the product of the youthful reading I did during that time of “Sarah” (2000) by J.T. LeRoy, intrigued by the story of a lot lizard’s misadventures and her encounters with truckers.
Maggie Petroni
Argentina, 1986https://www.instagram.com/maggiepetroni
La práctica de Magdalena Petroni tiene como objetivo explorar los límites entre la baja y la alta cultura, así como el descarrilamiento del exceso humano y el orden anárquico que le sigue.
Produce instalaciones, pinturas y esculturas tomando referencias del tuning, el techno, la imaginería cibernética, el terror y la ciencia ficción. En sus obras disímiles objetos se ensamblan y relacionan de manera frenética explorando la alteridad, lo extraño, la fascinación por el exterior, lo extrasensorial en relación con lo alienado. Lo que está más allá de las experiencias ordinarias.
A través de su trabajo investiga el dinamismo de los cambios sociales, tecnológicos y sexuales impulsados por el capital. La mezcla de excitación y ansiedad ante los imaginarios del monstruoso presente, donde las ideas, las dualidades imposibles, heredadas por la concepción moderna del mundo mente/cuerpo, cultura/naturaleza, sujeto/objeto, humano/no humano, masculino/femenino, parecen desintegrarse. Pensar una ontología orientada a objetos, considerando el antropocentrismo como un privilegio de los humanos frente a los no humanos.
Magdalena Petroni’s practice aims to explore the limits between low and high culture as well as the derailment of human excess and the anarchic order that follows.
She produce installations, paintings and sculptures taking references from tuning, techno, cybernetic imagery, horror and science fiction. In her works dissimilar objects are assembled and related in a frantic way exploring the alterity, the strange, the fascination with the exterior, the extrasensory in relation to the alienated. That which is beyond ordinary experiences.
Through her work she investigates the dynamism of social, technological and sexual changes driven by capital. The mixture of excitement and anxiety before the imaginaries of the monstrous present, where ideas, impossible dualities, inherited by the modern conception of the world of mind/body, culture/nature, subject/object, human/non human, masculine/feminine, seem to disintegrate. Thinking an object-oriented ontology, considering anthropocentrism as a privilege of the humans against non-humans.
4 agujeros
Seda, cera, resina, latas de aluminio, fotografías de archivo, tintes.
66cm x 53cm x 5cm
2024
La obra de Magdalena Petroni pretende explorar los límites entre la baja y la alta cultura, así como el descarrilamiento del exceso humano y el orden anárquico que le sigue.
Magdalena Petroni’s work aims to explore the limits between low and high culture, as well as the derailment of human excess and the anarchic order that follows.
Talia Pérez Gilbert
Tijuana, 1987https://cargocollective.com/tpgilbert
Artista visual, diseñadora y gestora tijuanense cuyo trabajo explora la intersección entre arte, tecnología y otras áreas del conocimiento.
A través de medios como video, instalación, 3D, realidad aumentada, realidad virtual e inteligencia artificial, su obra aborda temas como la burocracia, la memoria, los sistemas de poder, el impacto del humano en el entorno, el trabajo, entre otros. Fascinada por la ciencia ficción, la naturaleza y el lado oculto de las cosas, su trabajo invita al espectador a reflexionar sobre la relación de la humanidad entre sí y su entorno viéndose como un nodo que explora y traduce su percepción de la realidad intentando explorar nuevos puntos de vista. Actualmente, es beneficiaria del Programa de Estímulos para la Creación Baja California 2024-2025 y formó parte del programa Insite Lab 2023-2024, donde continúa desarrollando su práctica artística con un enfoque multidisciplinario e innovador.
Visual artist, designer, and cultural manager from Tijuana whose work explores the intersection between art, technology and other areas of knowledge.
Through mediums such as video, installation, 3D, augmented reality, virtual reality, and artificial intelligence, their work addresses themes like bureaucracy, memory, power systems, the impact of humans on the environment, labor, and more. Fascinated by science fiction, nature, and the hidden side of things, their work invites the viewer to reflect on humanity’s relationship with itself and its environment, seeing it as a node that explores and translates its perception of reality while attempting to explore new perspectives. Currently, they are a recipient of the Baja California Creation Stimulus Program 2024-2025 and were part of the Insite Lab 2023-2024 program, where they continue to develop their artistic practice with a multidisciplinary and innovative approach.
Híbrido.0 - Botanero
Impresión 3D PLA
16x20x14cm
2024
Híbrido.0 Shot
Impresión 3D PLA
9x17.8x10.6cm
2024
Estas piezas forman parte del proyecto “Expedición Baja: Laboratorio de híbridos” una investigación experimental que plantea la preservación digital actual de especies nativas y endémicas de la zona de Baja California, para posteriormente especular la posible evolución y adaptación morfológica de dichas especies trazando lineas imaginarias hacia un futuro en el que la flora y fauna logran cobrar conciencia de su extinción y se adaptan de formas insospechadas como una forma de autopreservación agresiva, para posteriormente volver a ser “cazadas”quedando invisibilizado su pasado y valor evolutivo convirtiéndose en objetos utilitarios.
These pieces are part of the project “Expedition Baja: Hybrid Laboratory,” an experimental research initiative focused on the current digital preservation of native and endemic species from the Baja California region. The project speculates on the possible evolution and morphological adaptation of these species, tracing imaginary lines toward a future where flora and fauna become aware of their extinction and adapt in unforeseen ways as a form of aggressive self-preservation. Eventually, they are “hunted” again, with their past and evolutionary value becoming invisible, turning them into utilitarian objects.
Brendan Lynch
Los Angeles, 1985https://www.instagram.com/brendan__lynch
Pintor y artista multimedia que vive en Los Ángeles. En 2009 se graduó de la Escuela de Artes Visuales con una Licenciatura en Bellas Artes y en 2011 obtuvo una Maestría en Bellas Artes de la Escuela de Artes Visuales de la ciudad de Nueva York.
Habiendo crecido en Los Ángeles, la juventud de Lynch fue un caleidoscopio de graffiti, animación y cultura pop. Combinando estéticas culturales altas y bajas, Lynch utiliza una variedad de medios, estilos y marcas que exploran las diferentes formas en que puedes interactuar con el lienzo. Su conciencia de la evolución de la pintura y cómo se percibe a través de diversos contextos da paso a su manipulación de estas obras en su forma más verdadera, permitiendo al espectador experimentar una variedad de marcas dentro del mismo espacio.
Lynch ha realizado exposiciones individuales en Bugada & Cargnel, París; Veta, Madrid; Cubo Blanco, Londres; Untitled Gallery y Art in General ambas en Nueva York; Rodolphe Janssen, Bruselas; y Galería Thomas Brambilla, Bérgamo. Lynch ha participado en exposiciones colectivas en la Fondazione Pino Pascali, Italia; Museo Dhont-Dhaenens, Bélgica; La Galería de Arte Regional de Bathurst, Australia; Colección Zabludowicz y Jonathan Viner, en Londres; Galería Anónima, Ciudad de México; Centro Garage de Cultura Contemporánea, Moscú; Academia Americana, Roma; Zach Feuer, Mark Fletcher y Deitch Projects, Nueva York.
Los Angeles-based painter and multi-media artist. In 2009 he graduated from the School of Visual Arts with B.F.A., and in 2011 he earned an M.F.A from the School of Visual Arts in New York City.
Having grown up in Los Angeles, Lynch’s youth was a kaleidoscope of graffiti, animation, and pop culture. Conflating high and low cultural aesthetics, Lynch uses a variety of mediums, styles, and marks exploring the different ways you can inteact with the canvas. His awareness of the evolution of painting and how it’s perceived through various contexts, gives way to his manipulation of these works in their truest form, allowing the viewer to experience a range of mark making within the same space.
Lynch has had solo exhibitions at Bugada & Cargnel, Paris; Veta, Madrid; White Cube, London; Untitled Gallery and Art in General both in New York; Rodolphe Janssen, Brussels; and Thomas Brambilla Gallery, Bergamo. Lynch has participated in group exhibitions at the Fondazione Pino Pascali, Italy; Museum Dhont-Dhaenens, Belgium; The Bathurst Regional Art Gallery, Australia; Zabludowicz Collection and Jonathan Viner, in London; Anonymous Gallery, Mexico City; Garage Center for Contemporary Culture, Moscow; American Academy, Rome; Zach Feuer, Mark Fletcher, and Deitch Projects, New York.
Cowgirl
Oleo sobre tela
22 x 30 cm
2024
Brendan Lynch trabaja en una variedad de medios, enfocándose en abstracciones de materiales en grafito y aluminio sobre madera, lienzos teñidos y dibujos y pinturas con aerosol directamente en las paredes de la galería. También trabaja frecuentemente con materiales inusuales con cualidades visuales sutiles, como cera para surfear, cenizas de cigarrillos, polvo de pintura lijado, papas fritas e incluso recortes de uñas de los pies recolectados.
Brendan Lynch works across a range of mediums, focusing on material abstractions in graphite and aluminum on wood, tie-dyed canvases, and drawings and spray paintings directly on gallery walls. He also frequently works with unusual materials with subtle visual qualities—like surf wax, cigarette ash, sanded paint dust, potato chips, and even collected toenail clippings.